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Sally Mann - Wikipedia, la enciclopedia libre

Sally Mann - Wikipedia, la enciclopedia libre

es.wikipedia.org
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3 years ago
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otógrafa estadounidense
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tres hijos: Jessie, Emmett y Virginia, protagonistas de algunos de sus mejores retratos.
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Estudió fotografía en la Praestegaard Film School (1971) y en la Aegeon School of Fine Arts (1972), entre otros, graduándose en 1974 en el Bennington College.
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Su trabajo ha llamado la atención no solamente por sus cualidades técnicas sino también por algunas controversias desatadas por grupos radicales, al final de la década de 1990, de cristianos conservadores de su país los cuales protestaron contra la fotógrafa, David Hamilton y Jock Sturges acusándoles de crear pornografía.
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Muchas de las obras de Sally Mann son realizadas en espacios muy íntimos, y puede verse reflejado en sus fotos, como por ejemplo en ‘’Proud Flesh’’ una serie de fotografías de su marido, realizadas diariamente cuando este volvía de su trabajo, o en "Immediate Family", una obra concentrada en fotos de sus hijos, todas ellas reflejan un cándido entorno de familia, en ocasiones desconcertantes (por la libertad de sus hijos frente a la cámara)
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en obras posteriores, comenzó a transformarse para terminar mostrando un mundo mucha más interior y en ocasiones, provocador. Ella utilizó siempre para sus fotografías colodión húmedo, y asegura que los efectos e ‘irregularidades’ del revelado nunca fueron hechas a propósito, pero que si en muchas ocasiones lograron darle a sus obras el detalle que las completa.
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Richard Avedon, un genio de la fotografía - ALTFoto

Richard Avedon, un genio de la fotografía - ALTFoto

altfoto.com
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3 years ago
Su impresionante serie In the American West  es una obra cumbre, demoledora. Nadie sonríe, nadie está cómodo, ni siquiera el espectador. Rostros frontales contra fondo blanco. Lo más parecido a un fotomatón.
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Fotografiaba al sujeto delante de una hoja de papel de unos tres metros de ancho por dos de alto fijada sobre un muro, un edificio, a veces sobre el lateral de un tráiler. Trabajaba en la sombra porque la luz solar crea sombras, reflejos, acentos sobre una superficie que parecen decirte dónde tienes que mirar. Quería que la fuente de luz fuera invisible para neutralizar su efecto en la apariencia de las cosas.
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Su cámara era una de gran formato, de banco, de 8x10
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ajustada sobre un trípode
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La cámara es una prolongación del ojo que está sometido al cerebro, o si queremos ser poéticos, al alma. La luz pasa a través del objetivo(la pupila) y se plasma sobre la película (la retina) una vez ha sido regulada la luz por el diafragma (el iris) y su duración por el obturador (el párpado).
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influencias
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Son herederas de Nadar, de Sander. Se percibe la huella de Velázquez en la utilización de fondos neutros, en los que levita el sujeto
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Biografía de Richard Avedon, retratista de moda

Biografía de Richard Avedon, retratista de moda

www.fotonostra.com
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3 years ago
En esa época realizó trabajos de un marcado carácter social.
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Richard Avedon nació en Nueva York en 1923. Es uno de los mitos contemporáneos de la fotografía de moda y del retrato, que trabajó para publicaciones de tanto prestigio y éxito como Vogue, Life o Harper's Bazaar.

Su carrera como fotógrafo profesional comienza a principios de la década de 1950 y alcanza la fama en la década de los 60. Fue de los primeros fotógrafos en dotar de cualidades artísticas a la fotografía de moda.
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Movimiento por los Derechos Civiles
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más adelante, a las víctimas de la guerra de Vietnam.
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Las imágenes de Avedon, de una extraordinaria sobriedad estilística, dejan siempre solo al personaje frente a un fondo liso, mirando a la cámara y encerrado dentro de los márgenes del fotograma. En todas ellas, se trasluce el deseo de frialdad y distanciamiento del fotógrafo.
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Richard Avedon

Richard Avedon

www.vogue.es
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3 years ago
De niño era un gran aficionado a la poesía
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uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX.
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bandonó la escuela para enrolarse en la marina mercante estadounidense. Poco antes de partir, su padre le regaló una cámara Rolleiflex y con ella desempeñó labores de retratista durante sus años de servicio. Tras la guerra, a finales de los años cuarenta, la revista Harper’s Bazaar reclamó sus servicios. Dos décadas estuvo trabajando para la revista americana hasta que en 1966 pasó a convertirse en fotógrafo de Vogue USA
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Además de sus ya míticas instantáneas de moda, ha fotografiado los movimientos por los derechos civiles en el sur de Estados Unidos, a los manifestantes contra la guerra de Vietnam, la caída del Muro de Berlín y sus retratos ante un fondo blanco son ya antológicos
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El “instante decisivo” de Henri Cartier-Bresson

El “instante decisivo” de Henri Cartier-Bresson

oscarenfotos.com
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3 years ago
fotografía tomada “al vuelo”
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en contraposición a los complejos y claustrofóbicos procedimientos de la fotografía de estudio decimonónica.
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El francés supo entender que en la fotografía había una capacidad única de capturar el tiempo, de suspenderlo y mantenerlo vigente de forma indefinida
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aprisionar el tiempo
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a fotografía es, para mí, el impulso espontáneo de una atención visual perpetua, que atrapa el instante y su eternidad
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De todos los medios de expresión, la fotografía es el único que fija el instante preciso.
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dogma
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Cartier-Bresson, el retrato de un siglo

Cartier-Bresson, el retrato de un siglo

cultura.elpais.com
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3 years ago
recorrió varias veces el mundo con su Leica y combatió en primera línea por el surrealismo, el comunismo y el reporterismo. Además de fotógrafo, Henri Cartier-Bresson fue pintor y dibujante, cineasta
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dio la espalda a los poderosos y puso el objetivo en los vencidos y la naturalidad
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Antes y después de cofundar la Agencia Magnum en 1947, retrató a los miserables y a los olvidados, a sus mujeres y sus amigos, guerras y revoluciones, el inconsciente y el fugaz instante decisivo
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Con la llegada de la II Guerra Mundial,
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Tras el conflicto
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nace Magnum y con ella tres décadas del mejor fotoperiodismo de la historia: las multitudes en los funerales de Gandhi, la fiebre del oro en Shanghái, la muerte de Stalin, la Cuba que despide a Benny Moré en 1963, Mayo del 68... Y, en sus ratos libres, los geniales retratos por encargo a Matisse, Giacometti, Capote o Sartre; y sus reportajes de investigación: los Seis días ciclistas de París; los cuerpos en Tokio, Indonesia, Israel o Kosovo, la sociedad de consumo...
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Biografía de Henri Cartier Bresson, el instante decisivo

Biografía de Henri Cartier Bresson, el instante decisivo

www.fotonostra.com
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3 years ago
En 1932 adquiere su "maravillosa" Leica: el formato de 35 mm llega a sorprenderle y fascinarle. Henri llegó a cubrir de negro las partes niqueladas de su cámara para pasar inadvertido.
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Henri Cartier-Bresson Nacido en Chanteloup (Francia) el año 1908 en una familia de clase media
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ue uno de los padres del fotorreportaje y junto a Robert Capa fue también el cofundador de la agencia Magnum Photos.
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intura y literatura en Cambridge, pero hasta 1931 no empieza como fotógrafo
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Sus primeras experiencias con la fotografía empezaron con una cámara Kodak Box Brownie.
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Referente a su técnica jamás recortó los negativos, se positivaban completos, sin encuadrar ni cortar nada. Realizó fotografías en prácticamente todo el mundo y fue el primer fotógrafo en exhibir en el museo del Louvre, en París.
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n el año 1974, decide dar un cambio a su carrera como fotógrafo para volver a la pintura
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oseía una gran capacidad única para capturar el momento efímero en que la importancia del tema se da a conocer en la forma, el contenido y la expresión. Lo llamó el instante decisivo.
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verdadera vocación
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enri fallece el 4 de agosto del 2004 a los 95 años de edad.
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Germaine Krull: Metal y la Fotografía Industrial en Guillermo de Osma

Germaine Krull: Metal y la Fotografía Industrial en Guillermo de Osma

www.plataformadeartecontemporaneo.com
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3 years ago
Germaine Krull fue una de las más importante difusoras de la estética maquinista, ya que fue una de las pioneras en utilizar esta temática. Aparte  de esto comenzó a utilizar nuevos recursos estéticos, descubriéndonos nuevos puntos de vista para lograr darnos una nueva perspectiva, gracias al uso de los picados, contrapicados, el descentramiento del eje de simetría, la magnificación, la sinécdoque, el fotograma, el fotomontaje, etc
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Études de Nu. La mirada al desnudo de Germaine Krull

fotonoviembre.org
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3 years ago
Germaine Krull empezó a fotografiar desnudos, sobre todo femeninos, en Berlín al comenzar la década de los 20 del pasado siglo
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Había tenido una educación tolerante y un tanto heterodoxa que no coartó sus hábitos e inclinaciones masculinas
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GERMAINE KRULL
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fascinación por una materia insólita: el paisaje industrial. Germaine Krull lo elevará a la condición de obra maestra en su libro Métal (1928). Durante los siguientes años practicará el fotoperiodismo, visitando Madrid al proclamarse la 2ª República.
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ublicación de Métal en 1928
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reunía 64 fotografías sobre un tema
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paisaje industrial,
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empezó a estar considerada, junto a André Kertész y Man Ray, entre los mejores fotógrafos de París. A comienzos de nuestra centuria, Métal va a ser reconocido como uno de los más importantes libros de fotografía del siglo XX
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Nacida en Wilda
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en 1897, Germaine Krull empezó sus estudios de fotografía en Munich, donde en 1918 abrió su estudio
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Militante socialista y defensora de los derechos e igualdad de la mujer, a finales de la década se afilia al Partido Comunista Alemán y su activismo político le lleva a ser expulsada de Baviera, de donde viaja a Rusia, para instalarse en Berlín en 1922
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1926
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París
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adquiere la nacionalidad.
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u trabajo sobre desnudos, retratos y moda, se amplía al fotoperiodismo.
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viaje al sureste asiático como corresponsal de guerra
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Retrato y fotografía

oscarenfotos.com
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3 years ago
Retratos y daguerrotipo
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 La daguerrotipia y las formas originarias de fotografía como el calotipo adoptaron rápidamente el género del retrato. “La fotografía por su propio derecho tuvo un impacto decisivo en la historia del retrato.
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la fotografía implicó una genuina revolución respecto del retrato.
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La fotografía no relegó el retrato a la obsolescencia, sino que expandió todo su potencial.
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nicialmente la falta de sensibilidad de las placas provocó que los retratos implicaran largas tomas de hasta quince minutos de exposición. Sin embargo cuando aparecieron otros procedimientos como el colodión húmedo de Frederick Scott Archer los tiempos para obtener la exposición fueron reduciéndose cada vez más, acelerando el proceso.
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En cuanto a lo estético, los primeros fotógrafos echaron mano de los estilos e ingredientes del retrato utilizados por la pintura.
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La fotografía tardaría varias décadas en hallar sus propias características como medio de expresión autónomo. A pesar de ello el éxito de la fotografía de retrato fue inmediato.
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u primer impacto fue la democratización del retrato: “…este nuevo proceso hizo que la creación de este tipo de imágenes fuera mucho más accesible y abierta al público en general.
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El retrato ya no es el privilegio de los ricos.
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en los primeros años de la fotografía el proceso estaba relativamente reservado a las clases pudientes, muy rápidamente bajaron los costos y mejoraron los procesos técnicos de modo que prácticamente cualquier persona podía acceder a un atesorado retrato.
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La reducción tanto de tiempo como de costo fue una forma atractiva para muchos retratados que evitaban la pintura fueron mucho menos reacios a ser fotografiados
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El siglo XIX vio florecer a una nueva capa social: la naciente clase media.
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A mediados del siglo XIX el retrato no era únicamente de individuos: se estaba conformando una gran estampa de esta nueva clase media como grupo social.
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En los retratos de los siglos XV y XVI muy rara vez aparecieron retratos de miembros de clases bajas[30], sin embargo “los retratos de personas de la clase media
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Una función muy importante y antigua del retrato es la funeraria.
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inmortalidad
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os primeros retratos fotográficos poco tenían que ver con las complejas nociones sobre el carácter o la identidad. No se ocupaban del yo interior
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Durante una buena parte del siglo XIX el retrato tuvo una función relativamente sencilla y directa: capturar el aspecto exterior de una persona.
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Los fotógrafos,
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comenzaron a crear fórmulas que repetían incesantemente:
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los gestos y composición de los retratos provenían de un molde hecho en serie.
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Esta situación se acentuó con la llegada del formato de la Carte de Visite inventadas en 1854 por André Adolphe Eugène Disdéri. Las pequeñas imágenes de 6 x 10cms permitían a cualquier persona obtener una copia en papel con la fotografía de personajes célebres del ámbito de la intelectualidad, la política o el teatro.
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Con la carte de visite la fotografía se convierte definitivamente en un producto de masas: tanto en su factura como en su consumo.
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Sin embargo a la par del crecimiento mercantil y de fórmulas prefabricadas en la fotografía, surgía la noción de arte.
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El giro más importante que tuvo el retrato en el ámbito de la fotografía lo dio Julia Margaret Cameron,
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mágenes alegóricas inspiradas en pinturas y géneros clásicos.
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el trabajo de fotógrafos como Gustave LeGray o H.P. Robinson expandían los horizontes estéticos de una forma de arte que no dejaba de tomar prestadas referencias a la pintura
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Julia Margaret Cameron
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la pretensión de lograr capturar algo más que la mera apariencia, las virtudes, temperamento carácter y virtudes del retratado
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El retrato fue uno de los grandes detonadores para la rápida expansión de la fotografía. A su vez, los antecedentes de la pintura fueron cruciales para el invento presentado por Daguerre en 1839.
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género fundamental en la historia del arte
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parte integral de la naturaleza humana.
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Horacio Fernández: 'Los formatos digitales van a dar más de una sorpresa en los fotolibros'

Horacio Fernández: 'Los formatos digitales van a dar más de una sorpresa en los fotolibros'

visualmaniac.com
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3 years ago
Había muy pocos datos. En primer lugar, era un tema poco menos que desconocido. Además, el estudio de los fotolibros es muy reciente, apenas una década. Antes todo era lo mismo, catálogos, almanaques, libros turísticos, documentales, de propaganda... Solo algunos aficionados y coleccionistas, que generalmente también eran fotógrafos, pensaban que los fotolibros eran más importantes
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La época dorada del fotolibro es los años sesenta y setenta, aunque ahora mismo también estemos viviendo un momento excelente.
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Después, a partir de los ochenta, hay una decadencia, que se deriva curiosamente del reconocimiento artístico de la fotografía
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Cuando empezó a hacerse con normalidad exposiciones y a publicarse catálogos y otros libros
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viajes, vistas aéreas o turísticos.
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se dejó de utilizar el modelo fotolibro
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Hoy en día, el éxito de nuevo de los fotolibros es, al menos en parte, consecuencia de la crisis. Cuando no hay manera de vender, ni de exponer, reaparece este sistema, y además, con nuevas posibilidades
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búsqueda detectivesca
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El gran punto de interés en el libro se centra en la distinción entre las fotografías únicas, que cuentan una historia en sí mismas y forman parte de una exposición o un libro, y las historias contadas a través de varias fotografías, de manera cinematográfica, narrativa
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Los 10 fotográfos de moda mas prestigiosos

monkeyzen.com
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3 years ago
Nos centraremos en sus imágenes, en su lenguaje, sus universos creativos, veremos como se han influido entre ellos y como han influido al mundo de la moda y la estética
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Nos fijaremos en lo que expresan y como lo expresan
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influencia de Helmut Newton y Guy Bourdin
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Helmut Newton
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Concibió un estilo propio lleno de glamour, seducción y erotismo, su arte creó escuela, el llamado Porno Chic con desnudos femeninos y los tacones de aguja, influyendo a distintas generaciones de fotógrafos.
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no de los grandes de la moda
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Expresivo, serio, erótico, fuerte, ponderado, estudiado, grandilocuente, mega femenino y bello, son algunos de los adjetivos que definen la obra de este genio, uno de los fotógrafos que mejor a comprendido la feminidad, la seducción y el erotismo, con total elegancia
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maestro de la erótica y la sensualidad,
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sus imágenes hablan de una mujer lúdica, divertida, espontánea, avispada e independiente,
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rea a un
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mujer sofisticada y poderosa
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añade a sus imágenes desparpajo, color, alegría, frescura, sus trabajos son pequeños divertimentos estéticos
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original y extremado uso del color
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imágenes
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oscuras y densas, tienen un trabajo muy complejo de color, a base de un sutil e impecable uso de difuminados, degradados tonos contrastados
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En la actualidad goza de un gran éxito y su trabajo es reconocido a nivel mundial por sus audaces fotografías de moda e imaginativas campañas publicitarias.
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a a la fotografía artística un sinfín de posibilidades estéticas y conceptuales, a través de la fotografía ahora narramos cuentos, historias, momentos íntimos, películas,
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tienen textura
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Un fotógrafo al día: Sergi Pons

Un fotógrafo al día: Sergi Pons

luxcaptus.wordpress.com
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3 years ago
tiene un estilo fotografiando tanto imágenes muy saturadas en color como en blanco y negro. Tiene un estilo que es elegante pero innovador a la vez. Es uno de los fotógrafos más reconocidos a nivel internacional y sus trabajos se pueden ver en revistas como, El País Semanal, Marie Claire, Vanity Fair, pubVogue, Glamour,
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Esquire
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Sergi Pons, fotografía española de moda

Sergi Pons, fotografía española de moda

moda.excite.es
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3 years ago
Sergi Pons
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Nació en Barcelona en 1970 y a partir de 1990
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empezó a especializarse como fotógrafo publicitario y de moda
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un ejemplo a seguir y la muestra de que con pasión y trabajando
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elegantes y originales
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gos de colores, de luces y de sombras
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Vogue, Glamour, Marie Claire, etc… Sus fotos son modernas y con unas composiciones simples pero que detrás se ven muy trabajadas y con complejidad. Me encantan sus fotos de moda porque además de lucir a los modelos, también lo hace con las prendas que llevan
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Jugando con la realidad. Entrevista a Cristina de Middel

Jugando con la realidad. Entrevista a Cristina de Middel

nicolamariani.es
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3 years ago
una de las principales preocupaciones artísticas de la fotógrafa alicantina es la de ofrecer al espectador una interpretación muy sujetiva de la realidad, a través de una aproximación irónica, y fundamentalmente lúdica, que tiende a resaltar la ambigüedad ínsita en la idea de “verdad”
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Licenciada en Bellas Artes con especialización en dibujo por la Universidad Politécnica de Valencia y con estudios de postgrado en fotografía y fotoperiodismo
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otoreporter profesional para periódicos y distintas ONG como Cruz Roja entre otras.
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dos elementos típicos del estilo de Cristina de Middel. Por un lado la narración de una “realidad hipotética”; es decir, la puesta en escena de una representación-interpretación sujetiva de hechos imaginados. Por otro lado, un sentido del humor sutil y elegante
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Mucha gente me dice que es muy divertido y humorístico y yo les contesto que si lo piensan bien la base de ese humor es la amarga evidencia de que ninguno de nosotros considera capaz a un país africano de llegar a la luna. Esa es una conclusión a la  que, en mi opinión, no llegan los reportajes “clásicos” que enumeran las miserias de África. Al final igual he encontrado mi propia manera de hacer reportaje de denuncia… quién sabe.
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Robert Frank, el fotógrafo que nos abrió los ojos - ALTFoto

Robert Frank, el fotógrafo que nos abrió los ojos - ALTFoto

altfoto.com
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3 years ago
Robert Frank es el fotógrafo que tuvo el valor de mostrar la sinrazón y decadencia del sueño americano cuando aún era emigrante en las tierras del otro lado del charco.
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Hoy es un clásico que marcó un antes y un después en la concepción de un libro de fotografía.
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Pronto se hizo amigo de algunas de las personas más influyentes de la fotografía por aquel entonces, como Walker Evans, para muchos el padre de la fotografía moderna o Edward Steichen. Gracias a la fortaleza de su mirada, que daba vitalidad a sus fotos, consiguió una beca Guggenheim que le permitió recorrer el nuevo continente durante la década de los cincuenta, justo después de la guerra de Corea
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Acompañado por su inestimable Leica  (su compañera desde 1947, antes siempre trabaja con una Rolleiflex de 6x6), su familia y un viejo coche, atrapó veintiocho mil momentos nunca imaginados, de los que destacó ochenta y tres y los tituló The Americans,
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Y cuando se le reconoció como una de las miradas más interesantes, arrinconó el negativo para jugar con veinticuatro por segundo, y pasó a ser una de las figuras más relevantes del cine de vanguardia norteamericano
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Ya en la década de los setenta decidió volver a experimentar con el arte que ha sacado lo mejor de él. Decidió probar con el fototexto, con el collage
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Estas técnicas le permitían huir del realismo que atacaba a los de su generación, como Ansel Adams o Edward Weston, obsesionados con la precisión
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Él sólo quiere ser preciso con los sueños que todos tenemos
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Cada día un fotógrafo / Fotógrafos en la red: Robert Frank

Cada día un fotógrafo / Fotógrafos en la red: Robert Frank

www.cadadiaunfotografo.com
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3 years ago
Robert Frank es un fotógrafo y cineasta americano (nacido en 1924 en Zúrich, Suiza), cuyo trabajo más destacado es el libro de fotografía The Americans, publicado en 1958, que está fuertemente influenciado por el periodo de la post-guerra
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Cuando la gente mira mis fotografías yo quisiera que se sintieran de la misma manera que cuando desean leer una línea de un poema por segunda vez
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Frank nació en una pudiente familia judía en Suiza
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primer libro de fotografías en 1946, 40 Fotos
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Emigró a los Estados Unidos en 1947, y obtuvo un empleo en la Nueva York como fotógrafo de moda para Harper's Bazaar
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comenzó a viajar por América del Sur y Europa. Publicó dos libros más de fotografías
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comenzó a ver los Estados Unidos como un lugar a menudo triste y solitario, una perspectiva que se volvió evidente en sus posteriores trabajos fotográficos.
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En 1955,
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Frank recibió un permiso especial de la Fundación John Simon Guggenheim para viajar a través de los Estados Unidos y fotografiar la sociedad en todos los estratos. Llevó su familia con él en una serie de viajes de carretera durante los dos años subsiguientes, en los que tomo unas 28.000 fotografías. Solo 83 de estas fueron seleccionadas por él para ser publicadas en The Americans.
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conoció en una fiesta al escritor de la generación Beat, Jack Kerouac, a quien le mostró algunas de las fotografías tomadas en sus viajes. Kerouac le dijo inmediatamente a Frank "Seguro que puedo escribir algo acerca de estas fotos", contribuyendo posteriormente a la introducción de la edición estadounidense de The Americans.
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Las diferencias con los estándares contemporáneos de fotografía dificultaron en un inicio la publicación del libro en los Estados Unidos. Les Americains fue publicado por primera vez en 1958 en París, y posteriormente en 1959 en los Estados Unidos
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realizó también varias películas
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En 1972 publicó su segundo libro fotográfico, Lines of My Hand. Este trabajo ha sido descrito como una "autobiografía visual" y consiste en su mayoría de fotografías personales.
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Estrategias de identidad. Cuerpo Memoria y lugar: 13 diciembre: Lines of My Hand, Robert Frank: Cuadernos de Notas, Diarios. Coloquio.

Estrategias de identidad. Cuerpo Memoria y lugar: 13 diciembre: Lines of My Hand, Robert Frank: Cuadernos de Notas, Diarios. Coloquio.

estrategiasdeidentidad.blogspot.com.es
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3 years ago
Lines of My Hand, Robert Frank: Cuadernos de Notas, Diarios
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"He llegado a casa y estoy mirando por la ventana. Fuera está nevando, no hay olas en absoluto. La playa es de color blanco, los postes son de color gris. Estoy mirando hacia atrás en un mundo desaparecido para siempre. Pensando en un tiempo que nunca volverá. Un libro de fotografías me está mirando. Veinticinco años de buscar el camino correcto. Postales de todo el mundo..." - Robert Frank
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NOTAS SOBRE EL DIARIO ÍNTIMO
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En un diario íntimo, contra lo que pudiera parecer, conviene que el narrador hable poco de sí mismo: mejor dejar que le vayamos conociendo indirectamente, a través de lo que nos cuenta de los otros
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Para ser un buen autor de diarios lo primero que hay que aprender es a callar. La misión del diarista no es contarlo todo (cosa, además de imposible, sumamente aburrida).
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En un diario caben todas las contradicciones de la vida cotidiana
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EL DIARIO COMO GÉNERO ENTRE LO INTIMO Y LO PÚBLICO
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El momento temporal en el que apareció este fenómeno llegó cuando dentro de la evolución histórica de la experiencia estética apareció el interés por el valor del individuo y por el documento biográfico ; como que el diario se presentaba al principio como un documento que describía la relación yo-mundo, sirve en su empleo literario como documento sobre el modo como un individuo percibe el mundo y se percibe a sí mismo en el mundo
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ue no opinara demasiado sobre los personajes, que dejara al lector formarse su propia opinión), vale también para el autor de diarios... limitarse a dar los detalles exactos para que el lector lo deduzca de nuestro relato.
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el diario no es en absoluto un documento sobre la manera como un individuo se limita a constatar de un modo neutral cómo se encuentra en el mundo ; todo lo contrario : en su calidad de confesión centrada sobre sí mismo, el diario es la imagen filtrada a través de un temperamento particular, el proyecto de una idea, más inconsciente que consciente, que el yo tiene de sí mismo
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Un diario sin fechas suele acabar convirtiéndose en algo distinto de un diario: un conjunto de reflexiones sobre asuntos muy diversos
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o la evocación de un pasado más o menos distante a partir de notas tomadas entonces
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hí se oculta detrás de imágenes y acciones de lo imaginario, y, en cierto modo, queda absorbido en la obra. En las dos formas de escritura hay un yo que produce un texto a partir de sí mismo, un yo que crea con el texto una realidad simbólica -una realidad estética, por tanto-
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La producción textual que parte de un yo ha sido el elemento común entre la escritura en forma de diario y la literatura y fue la condición ontológica latente que hizo posible que la Literatura reclamara para sí el diario .
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Robert Frank
Cambió el rumbo del documentalismo social al apartarse de la "composición" y los "momentos decisivos" para reflejar sus propias experiencias en un viajar inciático por América del Norte.
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Frank recibió una beca de la Fundación John Simon Guggenheim en 1955 para viajar a través de los Estados Unidos y fotografiar la sociedad en todos sus estratos. Llevó a su familia con él en una serie de viajes de carretera durante los dos años subsiguientes, en los que tomó unas 28.000 fotografías. Solo 83 de estas fueron seleccionadas por él para ser publicadas en "The Americans"
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En las fotografías quería "mostrarme a mí mismo cómo soy ..."
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Popular Photography, clasificó sus imágenes de "considerablemente opacas, porosas, exposiciones turbias, horizontes distorsionados y en general descuidadas."
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publicado en 1972.
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Este trabajo ha sido descrito como una "autobiografía visual" y consiste en su mayoría de fotografías personales.
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Robert Frank, Halifax Infirmary, 1978
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La fotografía será narrativa o no será, por Joan Fontcuberta

La fotografía será narrativa o no será, por Joan Fontcuberta

www.elcultural.es
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3 years ago
La historia hace a la fotografía o es la fotografía la que fabrica la historia? Walter Benjamin propuso que había que repensar juntas fotografía e historia porque lo que hacía historiable el acontecimiento era
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Este primer cruce de caminos entre la historia de la fotografía y las vivencias de los fotógrafos ejemplifica cómo la imagen se hizo relato. Demuestra también que la fotografía puede ser inscripción y escritura a la vez.
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En esa deliciosa imagen titulada Autorretrato como ahogado, Bayard se representa desnudo de cintura para arriba y con los ojos cerrados; en el dorso, un texto autografiado daba cuenta de su decepción: "El cadáver del caballero que aparece al otro lado es el de Monsieur Bayard, el inventor del proceso cuyos maravillosos resultados están Vdes. viendo o van a ver. Como se sabe, este ingenioso e infatigable investigador ha estado denodadamente ocupado durante tres años en poner a punto su invención. La Academia, el rey y todos cuantos han visto sus dibujos, que él personalmente consideraba aún imperfectos, los han admirado como Vd. lo está haciendo en este momento. Ello le honró enormemente pero no le reportó ni un céntimo. El Gobierno, que tanto concedió a Monsieur Daguerre, decidió desentenderse de Monsieur Bayard y el pobre hombre se ahogó (...)".
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18 de octubre de 1840
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fotografía
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la presencia frente a la cámara
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constancia fragmentaria de las historias,
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El lenguaje de la fotografía articula la historia, en la medida en que la historia da sentido a la fotografía.
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Hippolyte Bayard: una composición en la que se retrató a sí mismo simulando haberse suicidado. Bayard, junto a Niepce, Daguerre y Fox Talbot, pertenecía al cuarteto pionero fundacional. Su contribución consistió en un método que permitía fijar imágenes positivas directas sobre papel, es decir, la imagen ni se obtenía sobre una engorrosa placa de metal como en el sistema de Daguerre, ni precisaba la obtención de un negativo previo como en el sistema de Talbot. Aunque decididamente se trataba del proceso precursor que más ventajas aportaba, avatares políticos impulsaron al Estado francés a decantarse por el daguerrotipo, que fue adquirido y ensalzado, en detrimento del método de Bayard, que quedó postergado por completo.
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I Celebrate myself: Una biografía de Allen Ginsberg - Los cuadernos azul y marrón

I Celebrate myself: Una biografía de Allen Ginsberg - Los cuadernos azul y marrón

www.moebius77.com
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3 years ago
En general, lo ‘Beat’ se refiere a un grupo de gente que rechazó el conformismo de la clase media a la cual pertenecían y decidió vivir al margen, buscando otro sentido a sus vidas.
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CBA - Biografía: Allen Ginsberg

CBA - Biografía: Allen Ginsberg

www.circulobellasartes.com
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3 years ago
Allen Ginsberg nació en Newark, New Jersey, en 1926
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La publicación de Aullido y otros poemas en 1956
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Ginsberg fue un nombre central de la contracultura norteamericana. Pacifista y activista político, estuvo siempre en primera línea de los movimientos sociales libertarios. Luchó contra el racismo, la homofobia y cualquier forma de dominación social y política, por lo que siempre estuvo en el punto de mira de los autoritarios,
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Estudió en la Universidad de Columbia, de la que fue expulsado y donde entabló amistad con William Burroughs, Neal Cassady y Jack Kerouac, entre otros.
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un auténtico aldabonazo en la literatura norteamericana de posguerra y, junto con En el camino de Kerouac, el libro central del movimiento beat.
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n los años cincuenta se convirtió en una figura prominente del movimiento beat
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Fotos como aullidos | Cultura | elmundo.es

Fotos como aullidos | Cultura | elmundo.es

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cherry bomb cherry bomb
3 years ago
mirada propia e íntima de la generación Beat por parte del que fuera de uno de sus más conspicuos exponentes
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título 'Beat memories: the photographs of Allen Ginsberg
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fotografías de Ginsberg sobre algunos de sus compañeros de generación en el principal movimiento contracultural en los EEUU de los años 50: William Burrooughs, Jack Kerouac, Gregory Corso, Peter Orlovsky y Neal Cassidy, que ejerció de musa para muchos de ellos, desfilan ante la cámara de Ginsberg
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Ginsberg las tomó para un uso privado. Por eso, retrata a amigos, a amantes, e incluso a sí mismo
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Para enfatizar el carácter íntimo de la exposición, las instántaneas contienen anotaciones a mano del propio Ginsberg, algunas de ellas bastante extensas
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narrativa sobre la aparición, ascenso y ocaso de uno de los movimientos más rompedores de la cultura estadounidense del siglo XX
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Página/12 :: radar

Página/12 :: radar

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cherry bomb cherry bomb
3 years ago
omadas entre 1953 y 1963 y, en una segunda etapa, desde 1983 hasta su muerte, las fotos de Allen Ginsberg capturan a los protagonistas y escenarios de la generación beat en la intimidad, con cierta desnudez, con la confianza de la amistad. Retratos de amigos, colegas y amantes
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muchas de ellas fueron catalogadas y sobreescritas por el propio Ginsberg, que les agregó breves anotaciones manuscritas a los originales, pequeños recuerdos y reflexiones.
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ada imagen afirma la relación personal con el retratado. El círculo social de Ginsberg era amplio e interesante, y él deambulaba por diversos mundos –cenaba con Marcel Duchamp o tomaba un café con Man Ray–. Pero su ojo fotográfico priorizó lo doméstico. Fotografió a algunos integrantes de su familia de origen, a muchos músicos y actores, pero principalmente a los escritores de su camada, esos hermanos de camino, manteniendo con cada uno un diálogo visual cómplice. Gregory Corso, Paul Bowles, Lawrence Ferlinghetti y Peter Orlovsky: sus rostros se repiten en las fotos de Ginsberg con diversos escenarios y edades.
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Aunque su romance con la fotografía abarcó toda su vida, recién en 1953 el poeta consiguió una cámara usada, por 13 dólares, y comenzó a retratar a sus amigos. Los fotografió en la intimidad de sus encuentros durante casi una década y en pleno auge de su producción como artistas.
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Kodak Retina, uno de los primeros modelos de esa serie de cámaras 35mm hechas en Alemania.
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uego de un largo viaje a la India, aquella máquina se perdió y Ginsberg dejó de tomar fotos. Pero veinte años después, el poeta se reencontró con sus imágenes en la biblioteca de la Universidad de Columbia. Al verlas en perspectiva, entendió que era buen material y se contactó entonces con un viejo conocido: el legendario fotógrafo Robert Frank, autor de Los americanos, con quien había compartido un curso de la Escuela de Fotografía Camera Obscura en Israel. Después de ese curso se hicieron amigos
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Frank le recomendó ponerse en contacto con Berenice Abbott
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Ginsberg viajó hasta Maine, donde Abbott vivía, para conocerla.
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Abbott le sugirió agregar anotaciones manuscritas sobre las copias originales de aquellas primeras tomas: comentarios y relatos que ponían en contextos aquellos testimonios visuales. La fotógrafa también lo animó a retomar la actividad y él le hizo caso comprando otra cámara de segunda mano, ésta vez una Rolleiflex 2 ¼ pulgadas, para volver al ruedo.
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Antes, durante y después de ese momento de mayor concentración en la fotografía –los últimos 15 años de su vida, entre 1983 y 1997– usó varios equipos: una Leica M3, una M6 y una Olympus de bolsillo, entre otras.
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Su propia producción alcanzó una cifra difícil de afirmar, pero del material guardado se cuentan casi 75 mil fotos.
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Ginsberg creía que cualquier gesto, hecho conscientemente, puede ser una obra de arte. De ese rescate emotivo nacen estas imágenes
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Allen Ginsberg - Beat Memories | LensCulture

Allen Ginsberg - Beat Memories | LensCulture

www.lensculture.com
cherry bomb cherry bomb
3 years ago
A selection of more than 70 of these annotated photos was published by Chronicle Books in 1993, as Snapshot Poetics. Those same photos are now part of a major exhibition at the National Gallery of Art in Washington DC.
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Ginsberg spoke about his photographs, and his ideas about photography, while he was preparing the book:
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Curator Sarah Greenough writes: "The same ideas that inform his poetry—an intense observation of the world, a deep appreciation of the beauty of the vernacular, a celebration of the sacredness of the present, and a faith in intuitive expression—also permeate his photography."
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In the late 1980s and early 1990s, together with Robert Frank, Ginsberg developed a course that they taught together, called Photographic Poetics. Ginsberg talked about that teaching:
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Poet, mystic, buddhist, teacher, and spokesman for the Beat generation, Allen Ginsberg also photographed his friends and lovers over the years. He made albums of these photos, with elaborate hand-written captions. Ginsberg's "photographic memoir of the Beat era" captures intimate moments with many of the leading writers, poets and artists who emerged in the 1950s and 1960s. 
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My picture taking goes back to 1945 or 1946, when I got my own box camera and took a bunch of pictures with
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But I really didn’t get into picture taking until 1953, when I went to a 3rd Avenue second-hand store and bought a Kodak Retina for thirteen dollars and began taking several rolls of film at a time…
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My interest in pictures was more sacramental than photographic
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I’m afraid that I’m more into continuous reportage now. As a matter of habit I carry a camera where I used to carry a notebook. I’m finding that I write less and less in my notebooks now – I do my sketching and observing with the camera instead. It’s beginning to displace writing a bit
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The photo sessions never lasted more than five or ten minutes, though. We did them while we were in the middle of other matters, like writing or just gossiping…
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I traced the origins of the imagistic ground of poetry that I had learned from Williams and its relation to the photographic practice
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In a sense, writing poems and taking pictures have been two discrete but very closely related activities.
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Allen Ginsberg - Beat Memories | LensCulture

Allen Ginsberg - Beat Memories | LensCulture

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cherry bomb cherry bomb
3 years ago
A selection of more than 70 of these annotated photos was published by Chronicle Books in 1993, as Snapshot Poetics. Those same photos are now part of a major exhibition at the National Gallery of Art in Washington DC.
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Ginsberg spoke about his photographs, and his ideas about photography, while he was preparing the book:
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Curator Sarah Greenough writes: "The same ideas that inform his poetry—an intense observation of the world, a deep appreciation of the beauty of the vernacular, a celebration of the sacredness of the present, and a faith in intuitive expression—also permeate his photography."
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In the late 1980s and early 1990s, together with Robert Frank, Ginsberg developed a course that they taught together, called Photographic Poetics.
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Poet, mystic, buddhist, teacher, and spokesman for the Beat generation, Allen Ginsberg also photographed his friends and lovers over the years. He made albums of these photos, with elaborate hand-written captions. Ginsberg's "photographic memoir of the Beat era" captures intimate moments with many of the leading writers, poets and artists who emerged in the 1950s and 1960s. 
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My picture taking goes back to 1945 or 1946, when I got my own box camera and took a bunch of pictures with
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But I really didn’t get into picture taking until 1953, when I went to a 3rd Avenue second-hand store and bought a Kodak Retina for thirteen dollars and began taking several rolls of film at a time…
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My interest in pictures was more sacramental than photographic.
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I’m afraid that I’m more into continuous reportage now. As a matter of habit I carry a camera where I used to carry a notebook. I’m finding that I write less and less in my notebooks now
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– I do my sketching and observing with the camera instead
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The photo sessions never lasted more than five or ten minutes, though. We did them while we were in the middle of other matters, like writing or just gossiping…
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the peripatetic notes I used to take.
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Allen Ginsberg | LensCulture

Allen Ginsberg | LensCulture

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3 years ago
About Allen Ginsberg
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Renowned poet, world traveler, spiritual seeker, founding member of a major literary movement, champion of human and civil rights, photographer and songwriter, political gadfly, teacher and co-founder of a poetics school. Allen Ginsberg (1926-1997)
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As a poet, he will probably be remembered most for two lengthy masterworks: “Howl”, with its famous opening line (“I saw the best minds of my generation destroyed by madness”)
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and “Kaddish” the powerful, heartbreaking biography of his mother, Naomi Ginsberg, who spent most of her adult life in a state of mental torment.
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The 1956 publication of Howl and Other Poems established Ginsberg as an important voice in American poetry
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But Ginsberg would achieve international fame a year later with the highly publicized “Howl” obscenity trial in San Francisco and the publication of Jack Kerouac’s “On the Road”. Kerouac, a Ginsberg friend and mentor since the mid-1940s, had written a novel that defined a generation of youths seeking experience,
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the Beat Generation had its own literature.
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“I saw the best minds of my generation destroyed by madness”
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Known for his prodigious energy, Ginsberg labored tirelessly to promote not only his own work, but also the writings of Kerouac, Burroughs, and many others associated with the Beat Generation, including Gregory Corso, Gary Snyder, Michael McClure, Diane di Prima, Philip Whalen, Lawrence Ferlinghetti, and Neal Cassady.
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n 1973, he and poet Anne Waldman co-founded the Jack Kerouac School of Disembodied Poetics at the Naropa Institute in Boulder, Colorado, ensuring a continuing legacy of the study and practice of Beat Generation-influenced writings.
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Simbolismo - Wikipedia, la enciclopedia libre

Simbolismo - Wikipedia, la enciclopedia libre

es.wikipedia.org
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3 years ago
Simbolismo pictórico
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Pictóricamente las características más relevantes son las siguientes:
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Color: a veces se utilizaban colores fuertes para resaltar el sentido onírico de lo sobrenatural.
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Temática: Pervive un interés por lo subjetivo, lo irracional, al igual que en el romanticismo. No se quedan en la mera apariencia física del objeto sino que a través de él se llega a lo sobrenatural, lo cual va unido a un especial interés por la religión. Los pintores y poetas ya no pretenden plasmar el mundo exterior sino el de sus sueños y fantasías por medio de la alusión del símbolo. La pintura se propone como medio de expresión del estado de ánimo, de las emociones y de las ideas del individuo, a través del símbolo o de la idea.
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Simbolismo - La Prosa Modernista

Simbolismo - La Prosa Modernista

www.prosamodernista.com
cherry bomb cherry bomb
3 years ago
Al igual que los parnasianos,
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Formalmente, aunque buscaron la musicalidad y el
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La obscuridad simbólica tenía otro componente, los raros y grotescos motivos
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El tono de las obras es cambiante, así puede sentirse ironía, misantropía, jocosidad, agudeza, trivialidad, embeleso, misoginia, etc.
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unto con Schopenhauer consideraron el mundo como una representación, una imagen, un símbolo velado, vedado y evanescente a las leyes eternas, el cual debía servir como vía para llegar a otro mundo que hay detrás de ése (otro símbolo).
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buscaron los misterios, lo que podía haber detrás de los fenómenos paranormales, más allá de la realidad aparente y cotidiana, describiendo cosas vagas, indefinidas y que trascendían la naturaleza sensible; esto para tratar de presentar el mundo de los sueños y el ámbito de la psicología y de lo espiritual.
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efendieron la doctrina del ARTE POR EL ARTE, ello como principio de base creativa.
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lenguaje artístico cada vez más refinado, elitista, rebuscado, simbólico, metafórico, sugestivo, sinestésico, gráfico, plástico, rítmico y hasta inventado
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ritmo
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onsiderar al poeta como un ser privilegiado, excepcional, único, iluminado, que ve lo que los demás no ven
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mportancia a los contenidos, practicando y propiciando la libertad métrica y llegando incluso al versolibrismo.
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muy cercano al mundo de la música
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un vínculo entre el hombre y lo sagrado
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morbidez y la salud, la inocencia y el pecado, la dicha y el dolor;
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toda clase de drogas que permitieran la evasión y dislocación del tiempo y el espacio
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la mujer como elemento de placer hedonista y voluptuosidad
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referencia a monstruos y bestiarios de toda índole
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así como el gusto por ritos macabros y exóticos y parafernalias místicas; etc.
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Características generales del Simbolismo
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otaron a las palabras de un fuerte valor emotivo y, para ello, buscaron el matiz, la sugerencia.
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